Helene Schjerfbeck(10 de julio de 1862 – 23 de enero de 1946) pintora filandesa concocida por sus autorretratos y naturalezas muertas. Falleció en Estocolmo en 1946, casi olvidada, hoy se le considera una de las pintoras más importantes de finales del siglo XIX y principios del XX. La mordacidad de sus autorretratos alrededor de los ochenta años
de edad los hace únicos en la historia del arte
En estos autorretratos fui dejando la huella de un destino sólo
abierto cuando descubría señales cromáticas en mis rostros, en los
ángulos de las facciones, en las descarnaduras de la piel
Sven Nykvist
(Moheda, 3 de diciembre de 1922 - Estocolmo, 20 de septiembre de 2006)
Considerado por
muchos uno de los mejores directores de fotografía de todos los tiempos.
Trabajo en buen número de películas suecas de poco presupuesto, pero será en
1953 cuando comienza a colaborar con Ingmar Bergman.
A lo largo de su carrera iluminó más de cien
películas, para maestros como Roman Polanski , Woody Allen o Ingrid
Bergman. Nykvist
ganó el Oscar a la Mejor Fotografía por dos de sus películas: Gritos y susurros
(1973) y Fanny y Alexander (1982). Fue también candidato al Oscar por La insoportable
levedad del ser (1988), y Oxen, película dirigida por él, optó en 1991 al Oscar
a la Mejor Película Extranjera.
El
uso de elementos técnicos mínimos siempre con buenos objetivos y con una
Stedycamp atada al cuerpo, le lleva a desarrollar un estilo que perseguía
siempre la naturalidad, huyendo de la luz artificial.
Sven
Nykvist - Mi filmografía junto a Ingmar Bergman (2013)
Delicado y preciso en sus fotografías en blanco y negro, quizá su obra maestra sea en la película “Persona” (1966) de Bergman con magnífica iluminación y sugerentes y significativos primeros planos
Lars Johan Werl.
Compositor sueco nacido en Gävle. Werle es sobre todo conocido por sus óperas,
pero también compuso música de cámara, orquesta y obras vocales como
"Canzone 126 di Francesco Petrarca", una pieza moderna con
reminiscencias de un madrigal de Monteverdi. Su producción para la gran
pantalla se reduce a tres películas, destacando sus dos trabajos con Ingmar
Bergman, Persona (1966) y La hora del lobo
Argento: From the Diary of Virginia Woolf / Werle: Chants for Dark Hours
“Néstor Almendros (Barcelona, 30 de octubre de 1930 –
Nueva York, Estados Unidos, 4 de marzo de 1992). Director de fotografía
español. Licenciado en Filosofía y letras (1955). Hijo de Herminio
Almendros, quien introdujo en España el método pedagógico de Celestin Freinet.
Sus primeros trabajos como fotógrafo fueron en las
películas El pequeño salvaje (1969),
o La historia de Adéle (1975)
de Truffaut o todas las realizadas por Eric Rohmer entre 1966 a 1976 (La coleccionista, Mi noche con Maud, La rodilla de Clara,
etc.). Obtuvo el Premio Oscar de fotografía en
1978 por Días del cielo,
de Terrence Malick. Otros de sus trabajos , Kramer contra Kramer (1981), Bajo sospecha (1982) y Billy
Bathgate (1991), de Robert Benton, El último metro (1980), de Truffaut, La decisión de Sophie (1982), de Alan J.
Pakula (por cuya fotografía fue nominado al premio Oscar en 1983) o Paulina en la playa (1983), con
Rohmer. Entre sus documentales destacan Conducta impropia (1984), con Orlando Jiménez Leal, que trata
sobre la persecución de los intelectuales y homosexuales en la Cuba castrista.
Documental basado en su obra autobiográfica "Días de una cámara"
El pequeño salvaje (L'Enfant sauvage)
El pequeño salvaje (L'Enfant sauvage) es una película francesa
de 1970, dirigida por François Truffaut . Fotografía de Néstor Almendros. Basada en un hecho real acontecido en los bosques franceses a finales del siglo XVIII. Cuenta la historia
de un niño salvaje que creció aislado en el bosque , capturado y recluido en un
instituto de investigación. El niño no sabía hablar cuando lo encontraron. En esta película rodada en blanco y negro, Néstor Almendros emplea una luz natural que nos acerca a la historia y a los ambientes.
La marquesa de O. La Marquise d`O. Die Marquise von O
La
marquesa de O. La Marquise d´O. Die
La marquesa de O. La Marquise d´O. Die
Marquise von O...
1976. Francia. 107 min.
Director: Éric Rohmer
Guión de Éric Rohmer a partir de una
novela de Heinrich von Kleist
Música: Roger Delmotte
Fotografía: Néstor
Almendros
Reparto: Edith Clever, Bruno Ganz, Peter
Lühr, Edda Seippel, Bernard Frey, Otto Sander, Eduard Linkers, Ruth Drexel,
Hezzo Huber
Sinopsis: En el siglo
XIX, en el norte de Italia, la marquesa de O es una hermosa y joven viuda que
vive con su padre, el Coronel, y su madre. Durante el asedio de su ciudad por
parte de las tropas rusas, la marquesa sufre un intento de violación, pero se
salva por la intervención de un apuesto caballero ruso, el Conde. Meses
después, Julieta inexplicablemente está embarazada. Incapaces de aceptar esta
vergüenza, su familia la echa de casa. Sin recordar contacto alguno con ningún
hombre y convencida de su inocencia, Julieta deberá descubrir quién es el padre
de su hijo.
Premios: 1976, en Cannes, Premio Especial
del Jurado (ex aequo con Cría Cuervos, de Carlos Saura
Influencias de
la pintura en la Marquesa de O, 1976
Entre Eric Rohmer y Néstor Almendros, director de fotografía de muchas de
sus obras, cuidaron cada encuadre, imitando pinturas y obras de arte, en
una acción bañada por una luz diáfana que provenía realmente de los grandes
ventanales del castillo de Obertzen, en Alemania.
Por otra parte, hubo influencias para la puesta en escena y la
interpretación y vestuario de los personajes de varios pintores. «En el modo en
que la marquesa se mueve o se sienta, reconocemos a los personajes de los
cuadros de David, como el Retrato de Madame Recamier (1800), el de Mademoiselle
de Verninac (!801) las mujeres romanas llorando de E! Juramento de !os
Horacios (1784-1785), o la escultura de Paulina Bonaparte de Canova. En la
forma en que el padre manifiesta el dolor o la ira (para nosotros casi cómica),
estamos viendo los cuadros de Greuze o Fussli. En la aparición heroica
del Conde, reconocemos toda la tradición de representaciones de soldados, desde
Bonaparte en Arcole (1796) de Gros hasta los diversos tipos de soldado de
Géricault. En el beso final, encontramos a Ingres y su obra Paolo y Francesca
(1814). (...) . Los colores son los de Greuze, Overbeck, David, Chardin. (...)
Ahora no nos movemos como se movían en 1830, nuestros gestos no son los mismos
y no tenemos modo de verificar cómo lo hacían, sólo podemos representar lo que
nos transmiten los cuadros...»
La pesadilla, de Johann Heinrich Fussli, (Henry Fuseli), 1781, óleo, 127 x 102 cm. Detroit Institute of the Arts
A 'Kramer contra Kramer' (Kramer Vs. Kramer, 1979)
A 'Kramer contra Kramer' (Kramer Vs. Kramer,
1979)dirigida por
Robert Benton. El director de fotografía, Néstor Almendros, utilizó en
los interiores luz cenital y en los exteriores la luz disponible para las
tomas.
Entrevista en el programa "A
fondo" de Soler Serrano al director de fotografía Néstor Almendros
La perspectiva simétrica del cine de Stanley Kubrick se centra en un único punto de fuga situado justo enfrente de la visión del espectador
Stanley Kubrick. Breve biografía. Aspectos técnicos y narrativos de su cine (Por Saúl F. Blanco)
Uno de mis directores de cine favoritos Stanley Kubrick y sorprendente fotógrafo
Para ver la colección completa podéis visitar la web collections.mcny.org(Museum of the City of New York).
Barry Lyndon - Jeu - Franz Schubert
Un film de claras referencias pictóricas, entremezcladas con la
literatura y la música, es Barry Lyndon (Stanley Kubrick, 1975),
fotografiado por John Alcott. En él, además de la muy famosa iluminación de
interiores lograda con velas y luz natural, que Néstor Almendros llegó a
denominar iluminación tipo Vermeer, puede comprobarse la presencia abrumadora
de la pintura inglesa del siglo XVIII. Almendros explica las técnicas de puesta
en escena realistas, mediante un estricto y riguroso dominio de control sobre
las emulsiones cinematográficas empleadas, y sobre las técnicas de iluminación.
Algunos han denominado a Barry Lyndon, por su apariencia externa, una galería
de arte animada.
Este es un primer intento en
favor del redescubrimiento de Jesús Pérez Barón, un acuarelista cuya
presencia en la escena artistica aragonesa fue constante a lo largo de
su vida, pero que ha recivido poca atencion hasta ahora.
This is a first attempt for the rediscovery
of Jesús Pérez Barón, a water-colourist whose presence in the Aragonese
arts-scene was constant throughout his life, but who has received
little attention hitherto.
Basado en la tesis doctoral de
la autora sobre la acuarela en el arte contemporáneo aragonés, este
artículo da a conocer algunas obras en esta técnica realizadas por
Santiago Lagunas en el periodo crucial de su vida en que pasó de la
figuración a la abstracción.
Based on her PhD thesis on watercolour in
Aragonese contemporary art, the author of this article presents to the
public some works by Santiago Lagunas made with this technique during
the crucial period in his life when he was evolving from figurative to
abstract art
Breve semblanza del pintor aragonés Chema Durán (Barbastro, 1954) perteneciente a la generación de la posmodernidad, que floreció en
los primeros años ochenta del siglo pasado. Un autor que se mueve con
soltura dentro de un campo expresionista, alternando la pintura
figurativa y la abstracción de signo constructivista. Chema Durán destaca por su dominio en la técnica del collage que le permite materializar un universo propio y diferente.
Short essay about the Aragonese painter
Chema Durán (Barbastro, 1954), belonging to the Postmodern generation,
flourishing in the early 80's. An author fluent in an Expressionist
language, combining figurative and abstract paintings of Construcitivist
style. Chema Durán's outstanding domain of collage allows him to shape
his own particular and different universe.
Este ensayo está elaborado a partir de la ponencia dedicada a la
trayectoria como crítico de arte de Ángel Azpeitia y otras figuras de la
crítica aragonesa, que se presentó en el XIII Congreso Nacional de la
Asociación Española de Críticos de Arte (AECA), en una sesión celebrada
en el IEA de Huesca el 19 de noviembre de 2011, un día especialmente
consagrado en aquella reunión a conmemorar el 25 aniversario de la
Asociación Aragonesa de Críticos de Arte (AACA). Complementado aquí con
otras informaciones, se presenta como anticipo de un libro en curso.
This essay, devoted to the trajectory as art critic of Ángel Azpeitia
and other personalities of Aragonese art criticism, was presented at the
13st National Congress of the Spanish Association of Art Critics (AECA)
in a session held at Huesca's IEA on November the 19th 2011, a day
specially devoted in that conference to commemorate the 25th anniversary
of the Aragonese Association of Art Critics (AACA). Complemented by
further informations, it is presented here as a foretaste of a
forthcoming book.